escribir los sobreentendidos - c.lispector

entonces escribir (o pintar, o hacer música o teatro) es el modo de quien tiene la palabra como cebo: la palabra pescando lo que no es palabra. Cuando esa no-palabra -el sobreentendido- muerde el cebo, alguna cosa se escribió. una vez que se pescó el sobreentendido, se podría con alivio lanzar la palabra afuera. pero ahí termina la analogía: la no-palabra, al morder el cebo, la incorporó, lo que salva entonces es escribir ( o pintar o hacer música o teatro) distraidamente

recordar lo que no existió - c. lispector

escribir (o hacer música, teatro danza o pintar) es tantas veces recordar lo que nunca existió. ¿ Cómo lograré saber lo que ni siquiera sé? así: como si lo recordara. Con un esfuerzo de memoria, como si yo nunca hubiera nacido. Nunca nací, nunca viví; pero recuerdo, y el recuerdo es en carne viva.

la compañia - manifiesto 2

envasadosalvacio

la compañía empezó a gestarse en 2007 con la intención de generar propuestas escénicas diferentes, a partir del teatro tradicional y de las formas de representación tradicional.
surge a partir de la dinámica del propio trabajo escénico, de investigación y exploración en terrenos teatrales y extra-teatrales mediante múltiples procesos de síntesis dialéctica. elementos de danza y todas las disciplinas del movimiento (pues consideramos al intérprete en movimiento como generador, base y destino del recorrido escénico), del teatro oriental, del teatro de la bauhaus, del teatro físico, del teatro de imágenes, del teatro de clown y de la comedia dell´arte, de la acrobacia, de la literatura, plástica y música y el canto, de la filosofía (oriental y occidental), de la física y de las matemáticas entran en estos procesos sintéticos.
a esta búsqueda, que es también política en el sentido de que nos implica como individuos y miembros de una sociedad, la dimos en llamar teatro de síntesis intuitiva, porque se construye a partir de elementos puramente racionales para generar eco y resonancia en los que lo hacemos y los que nos ven, para nosotros, la misma cosa, resonancia ésta que es puramente intuitiva, que en última instancia cada resonador y cada participante de cada experiencia en cada momento elegirá libremente cómo elaborar.
mientras tanto, como siempre, dentro del ciclo seamonkeys, es la primera aproximación a esta búsqueda.

mientras tanto, como siempre

un lugar vacío. un no-espacio, que no es ninguno y es todos. un espacio que es referencia, que es creación y que es memoria de tantos espacios tanto físicos y/o psíquicos, reales y/o imaginarios posibles y/o imposibles pueden ser construidos y transitados por los actores y el público.
cuadrado o rectangular (de cualquier medida), cerrado por los cuatro lados o abierto pero debidamente delimitado por las sillas que lo marcan y constituyen. sin ninguna salida. sin ninguna entrada. no necesariamente negro. no necesariamente blanco. el espacio está dividido en dos partes iguales, el espacio A y el espacio B. son dos pero ambos son el mismo.
en la línea divisoria de estos espacio, siendo y aboliendo la frontera escénica está el público. la mitad exacta del público frente al espacio A y de espaldas al espacio B. La mitad exacta del público frente al espacio B y de espaldas al espacio A. puede suceder más público cerrando el cuadrado en el espacio A, puede suceder más público cerrando el espacio B. habrá dos acomodadores, provistos de silbatos, que no sólo acomodarán, encargados de esta tarea. no hay tal cosa como espacio escénico y espacio para público, sólo espacio de representación.
mientras tanto como siempre está compuesto por secuencias o escenas o recortes de una unidad mayor, que no se ve pero que se intuye, que están fuertemente ligadas entre sí, todas dan y representan la unidad dramática. cada una es una unidad de significación y de sentido y todas son parte de la unidad mayor. cada una es causa y consecuencia de la siguiente. cada una de ellas ya fue recorrida por los personajes muchas veces, tantas como no hay memoria ni registro. siempre del mismo modo, siempre las mismas acciones. siempre el mismo inicio, el mismo desarrollo y el mismo final. pero esta vez no es ni puede ser el mismo conflicto. al juego de los espejos y los dobles del espacio enfrentado se le suma el juego polisémico en el devenir. y ese devenir será juzgado y habilitada la continuación por los árbitros/acomodadores.
hasta hoy. nada de particular en este hoy. pero, hay algo que hace que este hoy sea diferente. tal vez dos sueña con uno. tal vez lo recuerda. tal vez lo imagina. tal vez lo anhela. es la primera vez. actuará en consecuencia. y ella hará otro tanto, ella también se verá obligada a actuar.
por esto mismo, los recorridos se representan como una parte, un pequeño recorte en ese devenir secuencial, ineluctable, obligatorio, infinito y eterno del que no se puede salir. no hay tal cosa como salida ni escapatoria posible, tan impensable como la sanción a eso mismo si la hubiera.

4.-

el cuerpo es el núcleo, disparador, constructor, soporte, creador y multiplicador del discurso. todo pasa por el cuerpo, lo corpóreo propiamente dicho y lo incorpóreo, lo tangible y lo intangible, lo material y lo espiritual, la restricción y el desenfreno, la biología y la ética, la animalidad y la elevación.todas esas categorías y muchas más generan un discurso particular, o sea hay un discurso corpóreo propiamente dicho, uno incorpóreo, biológico, etcétera y así al infinito, generando multiplicidad de porciones de discursos en constante relación, cambio, aumento y merma.esas categorías pueden ser aprendidas en los diferentes procesos de socialización y aprendizajes a lo largo de la vida de un individuo, sumándose a sus características personales, si es que existe tal cosa como algo genuinamente proveniente de sí mismo y no fue aprendido en alguno de esos procesos, tanto familiares como societarios.
entonces también podríamos hablar de un cuerpo ideológico o ideologizado, de uno histórico o historizado, de una propio de la comunidad en la que está contenido y modelado y de las reacciones a esas mismas inscripciones, sean efectivas, deseadas o sólo imaginadas.
ese cuerpo cruzado de discurso, creado por el discurso, se vincula e interpreta otros discursos, se relaciona, traba interacciones. y la interacción escénica es una representación de denuncia de esos mismos discursos, los deja al descubierto, no los juzga, los muestra. El mostrarlos, el hacerlos patentes, ese multiplicar, replicar y hacer presente no debe ni debería dejar de ser una acción política en el sentido de una toma de partido, denuncia de la realidad de ese cuerpo en relación constante e inevitable con otros, la construcción que se va gestando, los elementos de control de sí y del otro, los acuerdos, las rupturas,
y el teatro, justamente por ser una disciplina que debería usar y maximizar el uso del cuerpo en todas sus instancias y posibilidades, estaria en situación privilegiada de poner en evidencia, en escena, la constitutiva contradicción que es el género humano y su devenir, haciendo una exploración, estudio e investigación, profunda, libre y comprometida de sí mismo como arte, replanteando objetvos y estrategias de trabajo y discutiendo ideologías sin aferrarse a paradigmas o por lo menos abrir debate. el teatro, según nuestro entender es o debería ser, según lo entienda cada aproximación, por su capacidad sintetizadora de lenguajes, la disciplina artística capaz de indagar y representar cabalmente en esa y las demás problemáticas que desde antiguo el hombre viene preguntándose a través de sus emisarios, los actores.

3.-

creemos que la representación y el recorrido del intérprete son dos construcciones paralelas, simultáneas e intrínsecamente unidas, una no sucede sin el otro, el desfasaje no daría un resultado claro y lo que llegaría al espectador sería, como mínimo, confuso e ininteligible provocando solamente hastío y desinterés.
estas dos bases del trabajo, tienen, a su vez, dos motores: la creación racional, entendiendo como ésta al proceso de construcción de las bases del recorrido espectacular, sean materiales como intangibles, material siempre sujeto a flexibilidad y movilidad pero que crea una base sólida desde la cual producir el segundo motor : la intuición, intuición del director, del equipo técnico, de los intérpretes y finalmente y no menos importante, la intuición del público.
podríamos decir que el espectáculo se construye por lo racional/material y se percibe por la intuición, dejando así de lado el peligro del didactismo o la explicación o el influenciamiento en la captación de ese mismo recorrido. y como vuelta final, después de aprehender con la intuición se produciría, si el proceso llegó a buen puerto, la conciencia/racionalidad/historia personal/deseo/capacidades de director, equipo técnico, actores y público terminan de completar, traducen esa misma intuición, generando así tantas lecturas como personas participan en el proceso, enriqueciéndose materia e intuición en un continuo que no tendría un final preestablecido.

2.- herramientas

en la busqueda que emprendimos fuimos descubriendo que para poder desarrollar y plasmar el concepto de representación escénica que estabamos trabajando, era necesario primero crear ciertas herramientas teóricas básicas como para sostener el proceso creativo,definiciones elásticas y flexibles, susceptibles de modificación, para definir qué estabamos haciendo, cómo, por qué y para quién. y como consecuencia directa de las primeras fueron, y siguen en pleno proceso de elaboraciñon, herramientas prácticas, la ambiciosa escritura de una gramática física de entrenamiento y desarrollo.
el trabajo esta basado en el concepto de que trabajamos un teatro de síntesis intuitiva, mediante dramaturgias flexibles

manifiesto envasado. 2

No podemos vivir eternamente rodeados de muertos ilustres. Tampoco de falsos profetas o pretendidos revolucionarios que no revolucionan nada, solo sus bolsillos. Y si todavía quedan prejuicios habría que destruirlos, por lo menos hacerlos presentes.
El deber del filósofo, del escritor, del poeta, del artista del teatro no es ir a encerrarse cobardemente en un texto, un libro, una revista o una obra de teatro de los que ya nunca más saldrá, sino al contrario salir a la sociedad para sacudir, para atacar a la conciencia pública, para decir lo que tenga que decir con su propia voz, encontrar su propia voz, su propio modo, siempre desde el respeto esencial a sí mismo, a su historia a su propio devenir y a sus principios. si no es desde ese lugar, ¿Para qué sirve? ¿A quién podrá dirigirse honestamente? ¿Quién lo escuchará y se sentirá escuchado, quién se conmoverá con sus palabras, a quién le mostrará su camino para que ese quien busque el suyo propio? ¿Y para qué nació si no es para gritar y denunciar con su dolor que es dolor en el cuerpo, producido por una sociedad que para vivir necesita controlar,uniformizar, enloquecer a los hombres, alienarlos de sí, una sociedad que es máquina de locura, de espejos distorsionados, de separación de lo que no entiende, de lo que no quiere ver, de lo que no controla o de lo que pone en cuestión pero disfrazada de normalidad, de bien, de salud.
En el artista, sea cual sea su campo de trabajo, no debería vacilaciones, desde el comienzo de su trabajo, con la primera intuición debería sabe que hay que denunciar esta sociedad porque es la causa de que el hombre viva cortado en miles de pedazos, miles de caras que no ninguna; hay que rebelarse para que el hombre pueda rehacer su cuerpo, vale decir, el mundo.
Y ¿cuál es el riesgo de ser inalienablemente fiel a sí mismo y a su palabra ? ser puesto fuera, ser apartado, no sólo materialmente, de esa misma sociedad, sino también fuera de sí, como si el problema estuviera en algún recóndito lugar de sí, su mente o cuerpo o ambos están mal por eso cuestiona la sociedad, lo hace creer, lo marca lo hace ser un auténtico alienado. Se proclama que el alienado es el que no quiere salir de su insanía. Pero ¿Qué se entiende por auténtico alienado?Es un hombre que prefiere volverse loco -en un sentido social de la palabra- antes que traicionar una idea superior del honor humano.
Ese loco social, esa voz que constantemente denuncia a los reyes desnudos, esos que no traicionan al conjunto ni a los ideales y valores, lo mejor de la sociedad humana, lo más humano de lo humano, son los artistas. La mente de los artistas, se dice, está siempre en entredicho, tachados de extravagantes, bohemios, anarquistas, disfuncionales, la lista podría seguir al infinito, cualquier etiqueta es buena para ponerse a salvo.
La voz del artista es delirante porque porta el delirio de la profecía, anuncia, denuncia y acosa, es una voz preñada de voces, está llena no da tranquilidad ni paz ni serenidad, no tiene un mensaje apaciguador. No sé si esa es su misión si es que tienen alguna otra que no sea que la de hablar con su propia voz.

Los hacedores del campo artístico y del pensamiento hacen irritar a las almas bondadosas que tratan, en vano, de mantener o conservar estructuras que han conservado su funcionalidad, su tranquila y reposada continuidad sin cuestionamiento en el lapso de un tiempo, convirtiendo a ese tiempo y a esa continuidad en sólo un continuo del orden, la pereza por pensar más, el crimen, o peor, la desidia de dejar que otros piensen por nosotros.
Por esta misma razón y para plantarse frente y sobre ese orden al precio que sea y poner en evidencia esa uniformidad y esa falsa quietud es que el artista elige alienarse en el más primario de sus sentidos, ponerse afuera de su cuerpo y de su alma, y con cuerpo y alma decir lo suyo, con su voz, con sus herramientas, del modo que sea, hasta que sea escuchado.

Van Gogh escribió
"¿Qué significa dibujar? ¿Cómo se llega a hacer?
Es el movimiento de abrirse camino a través de un muro de hierro invisible que parece interponerse entre lo que se siente y lo que es posible hacer.
De qué manera atravesar ese muro, ya que de nada sirve golpear con fuerza contra él; para conseguirlo hay que corroerlo despacio y pacientemente con una lima, eso es lo que pienso".

mientras tanto // imagenes

mientras tanto se va acercando.....

altamente recomendados // busquedas similares

últimamente me llegaron estos libros/obras a las manos, muy buenos dramaturgos, muy buenas obras, búsquedas de nuevos lenguajes y/o caminos en lo escénico y representacional muy interesantes, proponiendo búsquedas similares a las que trabajamos en envasadosalvacio. si pueden reunirse con el material, háganlo sin dudarlo.

Ramón Griffero:
Diez obras de fin de siglo
ediciones frontera sur, Santiago, Chile.

Santiago Sanguinetti:
Dramaturgia imprecisa
estuario editora, 2009, Montevideo, Uruguay

Luciana Lagisquet:
sonámbulos

meyerhold // schopenhauer

meyerhold:

"He leído en alguna parte que la escena crea literatura. No es así. Si la escena inlfuye sobre la literatura es más bien retrasando un poco su desarrollo (...) El teatro nuevo surge de la literatura. La literatura ha tomado siempre la inciativa en la ruptura de las formas dramáticas. Chéjov escribió La Gaviota antes de que naciera el Teatro de Arte que la representó (...)

La literatura sugiere al teatro y no son únicamente los dramaturgos los que lo sugieren, proporcionando ejemplos de la nueva forma (que requiere una nueva técnica), sino tambiém los críticos, rechazando las viejas formas."

schopenhauer:

"Los bocetos de los grandes maestros tienen a menudo más fuerza que los cuadros terminados (...) Toda persona que lee o contempla una obra de arte debe contribuir también, con sus propios medios, al descubrimiento de esa sabiduría. La cual será, por lo tanto, comprendida según la capacidad y desarrollo interior de cada uno.

source

russian dance

mientras tanto, como siempre /el afiche.

clarice lispector // la sorpresa

Mirarse en el espejo y decirse deslumbrada: qué misyeriosa soy. Soy tan delicada y fuerte. Y la curva de los labios conservó la inocencia.

No hay hombre ni mujer que no se haya mirado en el espejo y no se haya sorprendido consigo mismo. Por una fracción de segundo nos vemos como un objeto a observar. A esto llamarían tal vez narcisismo, pero yo lo llamaría: alegría de ser. Alegría de encontrar en la figura exterior los ecos de la figura interna: ah, entonces es cierto que no me imaginé, yo existo

del rigor de la ciencia

...en aquel Imperio, el Arte de la Cartografía logro tal perfección que el mapa de una sola Provincia ocupaba toda una ciudad, y el mapa del Imperio, toda una Provincia. Con el tiempo, esos mapas Desmesurados no satisficieron y los Colegios de Cartógrafos levantaron un Mapa del Imperio que tenía el tamaño del Imperio y coincidía puntualmente con él. Menos Adictas al estudio de la cartografía, las Generaciones Siguientes entendieron que ese dilatado mapa era Inútil y no sin Impiedad lo entregaron a las inclemencias del Sol y de los Inviernos. En los desiertos del Oeste perduran despedazadas las Ruinas del Mapa, habitadas por Animales y Mendigos; en todo el país no hay otra reliquia de las Disciplinas Geográficas.

Suárez Miranda: Viajes de varones prudentes, libro cuarto, cap. XLV, Lérida, 1658.

destination

ARGUMENTUM ORNITHOLOGICUM

Cierro los ojos y veo una bandada de pajaros. La vision dura un segundo o acaso menos; no se cuantos pajaros vi. ¿Era definido o indefinido su numero? El problema involucra el de la existencia de Dios. Si Dios existe, el numero es definido, porque Dios sabe cuantos pajaros vi. Si Dios no existe el numero es indefinido, porque nadie pudo llevar la cuenta. En tal caso vi menos de diez pajaros (digamos) y mas de uno, pero no vi nueve, ocho, siete, seis, cinco, cuatro, tres o dos pajaros. Vi un numero entre diez y uno, que no es nueve, ocho, siete, seis, cinco, etcetera. Ese numero entero es inconcebible; ergo, Dios existe.

J.L.B.

logoenvasados

este es el logo de la compañía.
resumen y abstracción de la propuesta artística, escénica y también de la filosofía de la flexibilidad, síntesis y excelencia, la marca distintiva de nuestras obras, de la compañía y nuestro trabajo.

Meyerhold - Al actor

El teatro posee una particularidad sorprendente:
un actor de talento llega siempre a un espectador inteligente.

El problema fundamental del teatro contemporáneo es preservar el don de la improvisación que posee el actor, sin transgredir la forma precisa y complicada que el director ha conferido al espectáculo. Si la improvisación esta ausente en sus actuaciones, es que el actor esta estancado en su desarrollo.

Las dos principales características del trabajo del actor son: la improvisación y la capacidad de restringirse. Cuanto mas compleja es la combinacion de estos dos dones mayor es el arte del actor.

El buen actor se distingue del malo, en que este no interpretara el jueves del mismo modo en que lo hizo el martes. La alegría del actor no esta en repetir lo que ya ha logrado, sino en variar e improvisar en el marco del conjunto. Restringiéndose en función del tiempo y el espacio que le ha asignado la composición del espectáculo o el conjunto de sus compañeros, el actor se sacrifica por la unidad. Admitiendo la improvisación, el director actúa de la misma manera en su marco. Estos sacrificios son fecundos, cuando son recíprocos.

El arte del actor, y todo el arte en general, es un acto consciente, claro y alegre, un acto de la voluntad sana y precisa. Lo mas valioso del actor, es su individualidad. Es necesaria que brille a través de sus encarnaciones, tan hábiles como sean ellas.

Antonin Artaud aportado por Pia Risi

El teatro desata conflictos, libera fuerzas, desencadena posibilidades y si esas fuerzas y esas posibilidades son oscuras, no son la peste o el teatro los culpables, sino la vida

“… Reconozcamos que lo que se ha dicho ya no se dice más, que una expresión no vale dos veces, no vive dos veces, que toda palabra pronunciada está muerta y que sólo obra en el momento en que se la pronuncia, que una forma ya empleada no sirve más y que sólo invita a encontrar otra, y que el teatro es el único lugar del mundo en que el gesto hecho no se hace dos veces.…

Si el pueblo ha perdido el hábito de ir al teatro, si todos hemos terminado por considerar al teatro un arte inferior, un medio de distracción vulgar, y por utilizarlo como receptáculo de nuestros malos instintos, es porque se nos han dicho reiteradamente qué era el teatro, es decir, una mentira y una ilusión. Es porque nos han habituado desde hace cuatrocientos años, es decir, desde el Renacimiento, a un teatro puramente descriptivo y que relata, que es una crónica de la psicología.Es porque nos hemos ingeniado para hacer vivir en la escena seres plausibles pero distanciados, con el espectáculo de un lado y el público del otro… y porque ya no le hemos mostrado al pueblo el espejo de sí mismo.…

No soy de aquellos que creen que la civilización debe cambiar para que el teatro cambie; pero creo que el teatro utilizado en un sentido superior y que sea el más difícil posible puede influir sobre el aspecto y sobre la formación de las cosas: y el acercamiento en escena de dos manifestaciones pasionales, de dos fuegos vivientes, de dos magnetismos nerviosos, es algo tan íntegro, tan verdadero e incluso tan determinante como es, en la vida, el acercamiento de dos epidermis en un estupro sin mañana.Por eso propongo un teatro de la crueldad……

“teatro de la crueldad” quiere decir teatro difícil y cruel en primer lugar para mí mismo. Y, en el plano de la representación, no se trata de esa crueldad que podemos ejercer unos contra otros despedazando nuestros cuerpos… sino de aquella crueldad mucho más terrible y necesaria que las cosas pueden ejercer contra nosotros. …

Por eso en el “teatro de la crueldad” el espectador está en el centro y el espectáculo lo rodea. En ese espectáculo la sonorización es constante: los sonidos, los ruidos, los gritos son elegidos en primer lugar por su cualidad vibratoria, y después por lo que representan.

“… Reconozcamos que lo que se ha dicho ya no se dice más, que una expresión no vale dos veces, no vive dos veces, que toda palabra pronunciada está muerta y que sólo obra en el momento en que se la pronuncia, que una forma ya empleada no sirve más y que sólo invita a encontrar otra, y que el teatro es el único lugar del mundo en que el gesto hecho no se hace dos veces.… Si el pueblo ha perdido el hábito de ir al teatro, si todos hemos terminado por considerar al teatro un arte inferior, un medio de distracción vulgar, y por utilizarlo como receptáculo de nuestros malos instintos, es porque se nos han dicho reiteradamente qué era el teatro, es decir, una mentira y una ilusión. Es porque nos han habituado desde hace cuatrocientos años, es decir, desde el Renacimiento, a un teatro puramente descriptivo y que relata, que es una crónica de la psicología.Es porque nos hemos ingeniado para hacer vivir en la escena seres plausibles pero distanciados, con el espectáculo de un lado y el público del otro… y porque ya no le hemos mostrado al pueblo el espejo de sí mismo.…No soy de aquellos que creen que la civilización debe cambiar para que el teatro cambie; pero creo que el teatro utilizado en un sentido superior y que sea el más difícil posible puede influir sobre el aspecto y sobre la formación de las cosas: y el acercamiento en escena de dos manifestaciones pasionales, de dos fuegos vivientes, de dos magnetismos nerviosos, es algo tan íntegro, tan verdadero e incluso tan determinante como es, en la vida, el acercamiento de dos epidermis en un estupro sin mañana.Por eso propongo un teatro de la crueldad…… “teatro de la crueldad” quiere decir teatro difícil y cruel en primer lugar para mí mismo. Y, en el plano de la representación, no se trata de esa crueldad que podemos ejercer unos contra otros despedazando nuestros cuerpos… sino de aquella crueldad mucho más terrible y necesaria que las cosas pueden ejercer contra nosotros. … Por eso en el “teatro de la crueldad” el espectador está en el centro y el espectáculo lo rodea. En ese espectáculo la sonorización es constante: los sonidos, los ruidos, los gritos son elegidos en primer lugar por su cualidad vibratoria, y después por lo que representan.”“El teatro…desata conflictos, libera fuerzas, desencadena posibilidades, y si esas posibilidades y esas fuerzas son oscuras no son la peste o el teatro los culpables, sino la vida”Antonin Artaud “… Reconozcamos que lo que se ha dicho ya no se dice más, que una expresión no vale dos veces, no vive dos veces, que toda palabra pronunciada está muerta y que sólo obra en el momento en que se la pronuncia, que una forma ya empleada no sirve más y que sólo invita a encontrar otra, y que el teatro es el único lugar del mundo en que el gesto hecho no se hace dos veces.… Si el pueblo ha perdido el hábito de ir al teatro, si todos hemos terminado por considerar al teatro un arte inferior, un medio de distracción vulgar, y por utilizarlo como receptáculo de nuestros malos instintos, es porque se nos han dicho reiteradamente qué era el teatro, es decir, una mentira y una ilusión. Es porque nos han habituado desde hace cuatrocientos años, es decir, desde el Renacimiento, a un teatro puramente descriptivo y que relata, que es una crónica de la psicología.Es porque nos hemos ingeniado para hacer vivir en la escena seres plausibles pero distanciados, con el espectáculo de un lado y el público del otro… y porque ya no le hemos mostrado al pueblo el espejo de sí mismo.…No soy de aquellos que creen que la civilización debe cambiar para que el teatro cambie; pero creo que el teatro utilizado en un sentido superior y que sea el más difícil posible puede influir sobre el aspecto y sobre la formación de las cosas: y el acercamiento en escena de dos manifestaciones pasionales, de dos fuegos vivientes, de dos magnetismos nerviosos, es algo tan íntegro, tan verdadero e incluso tan determinante como es, en la vida, el acercamiento de dos epidermis en un estupro sin mañana.Por eso propongo un teatro de la crueldad…… “teatro de la crueldad” quiere decir teatro difícil y cruel en primer lugar para mí mismo. Y, en el plano de la representación, no se trata de esa crueldad que podemos ejercer unos contra otros despedazando nuestros cuerpos… sino de aquella crueldad mucho más terrible y necesaria que las cosas pueden ejercer contra nosotros. … Por eso en el “teatro de la crueldad” el espectador está en el centro y el espectáculo lo rodea. En ese espectáculo la sonorización es constante: los sonidos, los ruidos, los gritos son elegidos en primer lugar por su cualidad vibratoria, y después por lo que representan.”““… Reconozcamos que lo que se ha dicho ya no se dice más, que una expresión no vale dos veces, no vive dos veces, que toda palabra pronunciada está muerta y que sólo obra en el momento en que se la pronuncia, que una forma ya empleada no sirve más y que sólo invita a encontrar otra, y que el teatro es el único lugar del mundo en que el gesto hecho no se hace dos veces.… Si el pueblo ha perdido el hábito de ir al teatro, si todos hemos terminado por considerar al teatro un arte inferior, un medio de distracción vulgar, y por utilizarlo como receptáculo de nuestros malos instintos, es porque se nos han dicho reiteradamente qué era el teatro, es decir, una mentira y una ilusión. Es porque nos han habituado desde hace cuatrocientos años, es decir, desde el Renacimiento, a un teatro puramente descriptivo y que relata, que es una crónica de la psicología.Es porque nos hemos ingeniado para hacer vivir en la escena seres plausibles pero distanciados, con el espectáculo de un lado y el público del otro… y porque ya no le hemos mostrado al pueblo el espejo de sí mismo.…No soy de aquellos que creen que la civilización debe cambiar para que el teatro cambie; pero creo que el teatro utilizado en un sentido superior y que sea el más difícil posible puede influir sobre el aspecto y sobre la formación de las cosas: y el acercamiento en escena de dos manifestaciones pasionales, de dos fuegos vivientes, de dos magnetismos nerviosos, es algo tan íntegro, tan verdadero e incluso tan determinante como es, en la vida, el acercamiento de dos epidermis en un estupro sin mañana.Por eso propongo un teatro de la crueldad…… “teatro de la crueldad” quiere decir teatro difícil y cruel en primer lugar para mí mismo. Y, en el plano de la representación, no se trata de esa crueldad que podemos ejercer unos contra otros despedazando nuestros cuerpos… sino de aquella crueldad mucho más terrible y necesaria que las cosas pueden ejercer contra nosotros. … Por eso en el “teatro de la crueldad” el espectador está en el centro y el espectáculo lo rodea. En ese espectáculo la sonorización es constante: los sonidos, los ruidos, los gritos son elegidos en primer lugar por su cualidad vibratoria, y después por lo que representan.”

Antonin Artaud

aparienciasquerevelanesencias

theforest

unapropuesta

primeros envasados

es imposible no reconocer y agradecer a los primeros envasados, los pioneros,
los que se animaron a acompañarme en los inicios de esta busqueda,
los seamonkeys,

eugenia montenegro
lorena ascheri
lucas da rocha

primeras imagenes de mientrastanto

meyerhold

"De toda una serie de posiciones y estados físicos, nacen los puntos de excitabilidad, que después se colorean con este o aquel sentimiento. Con este sistema de suscitar sentimientos, el actor conserva siempre un fundamento muy sólido: las premisas físicas".

"Los movimientos fundados en esta base, se distinguen por su carácter de "danza"; el trabajo de un obrero experto recuerda siempre la danza, y en este punto bordea los límites del arte. El espectáculo de un individuo dedicado a trabajar de modo preciso, proporciona siempre un cierto placer".
"

mientras tanto,como siempre

mientras tanto,como siempre.

mientras tanto,como siemrpre trata sobre la construcción del sujeto, por sí y la relación con los demás. sobre la identidad propia construida en espejo y en conjunto con el otro. y sobre el elemento de control presente en todas las relaciones, constituyendo, articulando, gestando y destruyendolas.
dos tiene que descubrir quien es, con quien está, en que relación está, donde está, y que hace con todo esto.
él/ella, empieza reaccionando a dos y queriendo controlarlo. sin embargo esto le produce incertidumbre llevándola a cuestionar su identidad y sobre qué está construida.
todo esto en un no-espacio, en un no-lugar, un no-tiempo,que son todos los lugares, todos llos espacios, todos los tiempos. un círculo que nunca se cierra o que nunca tiene posibilidad de abrirse.

envasadosalvacio

envasadosalvacio se comienzó a gestar en el 2007 con la intención de generar una propuesta diferente, tomando como base al teatro tradicional y a partir de ello incorporar en síntesis los distintos lenguaje, tomando como referencia y punto de referencia el teatro total de Wagner, teatro entendido como sintesís de lenguajes, como postulador de nuevas formas de representación escénica.
Actualmente está conformada por un grupo de artistas de distintos géneros (danza, escenografía, teatro, acrobacia, clown, etc) y Mientras tanto, como siempre es la primera obra del ciclo seamonkeys, inicio de este camino de investigación y exploración.